Pour reprendre le voyage du bleu nous préparons aujourd’hui notre sac d’aquarellistes-carnettistes, en découvrant une nouvelle marque d’aquarelle très prometteuse, la marque QOR.

QOR est un produit Golden, un choix d’aquarelles extra-fines en tubes que je vais tester pour vous (et avec vous pour celles et ceux qui m’accompagnent au Portugal), dans le carnet de voyage qui nous mènera de l’Alentejo mauresque aux calanques d’Algarve.

C’est donc sur la longue période d’une douzaine de jours que nous allons tester ces nouvelles couleurs, qui révèlent déjà dès la réalisation du nuancier des teintes magnifiques à l’intense luminosité.

Il faut dire que le secret de cette réussite réside dans l’adoption d’un liant exclusif à l’exceptionnelle fluidité (plaisir de peindre dès les premiers coups de pinceau) : celle-ci permet à chaque couleur d’apporter une charge de pigments largement supérieure à tout ce que j’ai connu auparavant.

L’intensité vibratoire qui en résulte donne aux couleurs une saturation chatoyante, comme si chacune d’entre-elles était le produit d’un mélange de teintes voisines très pures, base même de la teinte en question.

Quant à la gamme et à la variété des couleurs, elle va permettre au carnettiste par le vaste choix des nuances qu’elle offre, d’élargir encore son champ d’expression en gagnant du temps de préparation pour les effets de lumière et de matière les plus subtils.

Vous devriez trouver très prochainement ces aquarelles (ainsi que la plupart des produits dont je parle dans ma vidéo) chez « Aquarelle et pinceaux » (qui fait de formidables promos en ce moment), n’hésitez pas à les leur commander de ma part, vous ne le regretterez pas !

Reste maintenant à vérifier sur le motif et dans toutes les conditions (humidité de l’océan, chaleur sèche de l’intérieur des terres, etc.) si ces qualités très prometteuses tiennent leurs promesses, c’est ce que nous allons découvrir en même temps que les nouveaux sites de notre « route du bleu » dès les jours prochains…

Voici le nuancier général des aquarelles QOR : les traits verticaux dans chaque cellule colorée sont des traits fins de marqueur indélébile : ils donnent une idée du pouvoir à la fois couvrant et transparent de ces aquarelles, selon les couleurs et leur rapport pigment – eau : imaginez alors l’étendue des possibilités qu’elles nous offrent !

Lorsque je demande à l’une ou l’un de mes collègues aquarellistes pourquoi elle ou il privilégie dans sa palette telle ou telle couleur, elle ou il est souvent bien incapable de me l’expliquer : c’est me répond-on question d’habitude et de goût personnel, d’affinité particulière avec ses couleurs parce qu’on réussit mieux ses effets avec (mais sans savoir exactement pourquoi), ou même quelquefois par « effet de mode », de publicité, ou parce que son fournisseur habituel est tributaire de telle marque ou de telle autre…

Hors, la réponse à cette question est capitale si l’on veut obtenir des résultats encore meilleurs, et aborder des problématiques nouvelles aptes à élargir notre créativité, à mieux nous épanouir dans ce qui nous pousse à nous exprimer dans un domaine particulier de l’aquarelle plutôt qu’un autre (il devrait en être de même pour toutes les autres techniques artistiques utilisant la couleur) !

En réalité, il faut savoir qu’une même couleur ne réagira pas sur un papier identique d’un fabricant à l’autre, qu’une couleur bien précise du même fabriquant ne réagira pas non plus de la même façon selon la nature du papier qui la reçoit (avec une même préparation palette et une dépose papier identique), que des couleurs du même fabriquant, mais aux nuances proches dans la même gamme colorée (les bleus par exemple et bien qu’ils soient légèrement différents sur le nuancier), pourront rendre (pures ou en mélange et selon la concentration pigmentaire de leur préparation) des effets visuels ou optiques sensiblement identiques à l’œil sur des papiers différents alors qu’elles sont différentiées sur le nuancier, etc.

À cette problématique de base se rajoute celle des qualités pigmentaires des couleurs (capitales pour toute réussite en aquarelle – mais pas seulement - en termes de luminosité, de vibration et d’atmosphère) : limpidité, vivacité, fraîcheur, brillance, transparence, intensité, etc.

Venez avec moi à la découverte des bleus de la source :

Aussi, avant de continuer cette approche du bleu en aquarelle, même sans aller trop loin dans nos souvenirs de physique et chimie, une petite révision théorique s’impose : nous savons que la couleur (citation Wikipédia) : « est la perception subjective par l'œil d'une ou plusieurs fréquences d'ondes lumineuses, avec une (ou des) amplitude(s) donnée(s) »

« On distingue :

• les couleurs pigmentaires, dites chimiques, car produites par la présence dans la matière de colorants ou de pigments qui absorbent une partie de la lumière blanche et ne réfractent que certaines longueurs d'onde,
•  
• les couleurs structurelles, dites physiques, provoquées par des phénomènes d'interférence liés à la structure microscopique de l'objet qui diffracte la lumière reçue. Les couleurs pigmentaires sont généralement instables, tandis que les couleurs structurelles sont pérennes et iridescentes. »

Nous savons aussi que la décomposition de la lumière blanche à travers le spectre lumineux permet de visualiser toutes les couleurs perceptibles par l'œil (pensons à l’arc-en-ciel). Chaque couleur correspond donc à une longueur d’onde électromagnétique particulière exprimée en nanomètre (1 nm = 0,000 000 001 m).

Mais la plage des longueurs d’onde perceptible par l’œil humain est très réduite (situé entre 380 et 780 nanomètres), imaginiez comment serait le monde si nous arrivions à percevoir les longueurs d’onde situées en deçà et au-delà du spectre lumineux qui nous est perceptible !

Notre perception des couleurs est de surcroît conditionnée par la lumière ambiante (directe ou indirecte), l'environnement, les interprétations de notre cerveau en fonction du contexte, et naturellement la physiologie de notre vision elle-même, ce qui nous amène à ne pas voir forcément les mêmes couleurs qu’autrui dans un même contexte.

De plus, un œil exercé maniant la couleur en permanence percevra des couleurs « invisibles » au regard du plus grand nombre (élargissant la conscience des couleurs il est très important de le savoir, j’y suis régulièrement confronté dans le cadre de mes stages ou cours : parfois je dis « mettez ici tel rose ou tel jaune dans le bleu du ciel, car sa couleur en est considérablement modifiée en cet endroit » et on me répond « - mais où vois-tu cette couleur, je ne la vois pas ? », alors qu’elle est tout à fait « visible » et évidente pour moi) ! 

Aussi, pour pouvoir parler de couleur, il est nécessaire de comprendre ce qu'est la lumière et comment notre œil fonctionne.

Il faut aussi connaître pour bien comprendre la différence entre « couleur lumière » (structurelle) et « couleur pigment », les principes simples de la synthèse additive des couleurs : composition d’une couleur par addition de lumière (faire l'exercice du lien pour bien comprendre), phénomène propre aux objets émetteurs de lumière dans le cas des couleurs structurelles.
Ainsi que celui de la synthèse soustractive, principe consistant à composer une couleur par soustraction de lumière (déplacer idem les couleurs avec la souris dans l’animation de ce lien) : le mélange des couleurs « pigments » sur la palette ou le papier en aquarelle est le résultat d'une synthèse soustractive. L’étude des couleurs à travers la rose chromatique en est l’une des plus intéressantes applications théoriques, nous l’appliquons sans en avoir toujours conscience dans chacune de nos réalisations picturales…

En résumé, pour voir les couleurs, trois éléments sont indissociables : la lumière, la matière et l’œil, mais les nombreux facteurs évoqués ci-dessus vont en faire changer la perception qui à chaque instant peut paraître différente.

Par contre, pour traduire en aquarelle un effet ou un objet coloré (particulièrement s’il est perçu en terme de lumière structurelle – donc « couleur lumière » -), nous n’avons à notre disposition que des pigments (mais qui sont « matière » tout aussi bien élaborés soient-ils).

Il nous faudra donc être très attentifs dans la composition de nos palettes aux trois principaux éléments qui définissent la couleur que nous utilisons en tant que peintres :

• a) la tonalité (rapport à la couleur dont elle se rapproche le plus, correspondance entre le nom et numéro des couleurs sur l’étiquette et leur teinte réelle dans la palette puis sur le papier une fois sèches),
• b) la luminosité (valeur, intensité lumineuse, liée à la transparence de la couleur, ne vous fiez pas seulement aux indices de transparence donnés par le fabricant : testez vos couleurs sur le papier !),
• c) la saturation (plus ou moins pure, éclatante, brillante ou terne, qualité de la couleur où les notions de valeur teintante, granulométrie / précipité, etc., jouent un rôle important, particulièrement dans les mélanges)…

D’où l’importance de la nature des pigments de nos demi-godets (ou de nos tubes) qu’il nous importe d’évaluer, tester, comparer, mémoriser pour en connaître parfaitement les caractéristiques dont limpidité, vivacité, fraicheur, brillance, transparence, intensité, le pouvoir colorant, l’aptitude au précipité ou à la granulation selon les fabricants, effets des mélanges selon les types de papier (toutes ces notions ainsi que celles d’autres éléments comme la durabilité, seront développées, expliquées et mises au service de votre créativité dans les cours en ligne sur lesquels je « planche », mais vous pourrez déjà en découvrir quelques-unes des implications les plus courantes dans cette série d’articles) .

C’est à partir de ce constat que nous pouvons en déduire la suprématie de l’aquarelle légère et rapide par rapport à de nombreuses techniques d’expression artistique pour son aptitude à saisir les scènes éphémères, les ambiances fugaces, les effets de lumière (et donc de couleurs) qui changent très vite (par exemple en extérieur en fonction de la météo, de l’écoulement du temps, ou de notre propre déplacement par rapport à nos sujets de prédilection).

Pour bien traduire les couleurs subtiles et nuancées de la Source bleue (couleurs structurelles « immatérielles » de l’eau), il conviendra donc de posséder dans sa palette les couleurs « optimales » les plus aptes à permettre de réussir leurs mélanges et obtenir les effets souhaités.

Pour cela 2 solutions :

• soit on connaît parfaitement ses couleurs et on maîtrise tous les éléments évoqués ci-dessus (auquel cas on a déjà correctement disposé sa palette avec les « bonnes couleurs » - et je ne parle pas seulement des bleus -),
• soit on découvre l’aquarelle, on est en phase d’apprentissage ou de perfectionnement, ou on travaille par « habitude » (au « feeling » en quelque sorte sans trop se poser de questions sur l’implication des couleurs dans l’optimisation de son travail), et là, il faut procéder avec méthode pour remanier sa palette et lui donner le potentiel apte à vous faire entrer dans d’autres dimensions de la « couleur lumière »,
• Comment ?

En effectuant des tests et essais tout simplement (ou en se fiant à mes conseils et propres expériences - mais n’oubliez pas qu’il faudra les adapter à votre sensibilité et goût personnel - comme je l’explique sommairement ci-dessous à propos de la Source bleue) !

Les couleurs bleues et vertes de la Source bleue sont avant tout des couleurs structurelles provoquées par la diffraction de la lumière du jour interférant avec les particules des micro-précipités que son eau contient.

Analysons notre sujet (une analyse globale, strictement picturale, simple et fonctionnelle est généralement suffisante pour la plupart des sujets, mais je ne m’intéresse ici afin de bien les comprendre qu’aux effets de lumière et de couleurs concernant le phénomène provoquant les bleus de cette source, du bleu très sombre du fond de la vasque, aux turquoises, verts et bleu gris des zones les moins profondes liées à l’étalement des eaux au départ du ruisseau) :

1. – Analyse sommaire formelle du sujet :

À l’origine de ce phénomène physique de bleu extraordinaire dégagé par cette eau, un processus d’origine chimique lié à son caractère d'exsurgence d'eau karstique qui, après avoir traversé les calcaires des karts, s’est chargée d'ions HCO^3-, et Ca⁺⁺ en solution. En arrivant à la surface au niveau de la source, l’eau de la Source bleue relâche dans l'atmosphère une partie de son CO₂. Cette perte de CO₂ favorisée par la photosynthèse de bactéries photosynthétiques planctoniques provoque un micro-précipité de CaCO₃ en suspension dans l'eau (2 HCO^3- + Ca⁺⁺<=> CO2 + CaCO₃ + H₂O).

Dans les conditions habituelles d’éclairage de la source à la lumière du jour, la configuration et la profondeur de sa vasque, les particules de ce micro-précipité ont la bonne dimension et la bonne concentration pour entraîner la diffusion de la lumière et lui donner ses exceptionnelles couleurs bleues.

D’autres phénomènes physiques s’ajoutent aussi à ceux de la propagation de la lumière dans l’eau, de son absorption en fonction de l’indice de réfraction de cette eau, de sa profondeur, et de la nature du sable clair du fond de la vasque calcaire sur laquelle la lumière non absorbée se réfléchit.

L’intensité lumineuse diminuant avec la profondeur, les rayonnements rouges de la lumière étant d’abord absorbés avant le bleu et selon les principes de la synthèse additive des couleurs, la lumière émergente du fond de l’eau ayant perdu le rouge, on voit donc une eau de couleur cyan et verte dans les zones moins profondes, et d’un bleu plus foncé vers le fond de la vasque (au niveau de l’arrivée de la galerie noyée en forme de siphon environ 6 m de profondeur), où les rayonnements verts se sont également dispersés à leur tour (voir la vidéo d’exploration subaquatique de la Source bleue en fin de billet)…

En fait, la couleur bleue de la source qui arrive à nos yeux est le résultat de la combinaison de plusieurs des phénomènes de diffusion, transmission et réflexion sur le fond clair (la réflexion spéculaire du bleu du ciel à la surface de l’eau étant ici insignifiante à cause du couvert végétal) où la lumière du jour qui ressort en lumière diffusée est réémise dans toutes les directions après avoir suivi un trajet chaotique dans l’eau avant de ressortir dans des directions aléatoires après absorption selon la profondeur de l’eau des longueurs d’onde colorées de la gamme des jaunes aux rouges, ce qui ne nous laisse percevoir que les teintes allant du vert pâle au bleu profond.

1. – Analyse d’interprétation picturale du sujet :

Bien que je n’aborde pas réellement ici l’analyse d’interprétation picturale de cette source (la réservant à mes cours et modules de formation en ligne ou à mes stages - mais on en a une idée à travers un passage de la vidéo -), je vais cependant en amorcer les principes, car, que cette analyse soit implicite (intuitive ou spontanée, liée à l’habitude et à l’expérience picturale du travail sur le motif) ou explicite (phases d’apprentissage ou de découverte), elle n’en est pas moins essentielle.

Les éléments qu'il est possible de prendre en compte dans l'analyse d’un motif sur le plan « pictural » sont multiples, variés et complémentaires, car ils définissent la construction même du travail à travers ses différentes étapes, et orientent l’interprétation créative du sujet.
Ce type d’analyse pour une réalisation en aquarelle ou croquis aquarellé (même rapide) doit bien évidemment être pensé en fonction des attentes espérées de ce travail.

Elle doit répondre aux questions :

• Qu’est-ce que je vois ? – qu’est-ce que je garde et qu’est-ce que je « laisse » ? - comment je le traduis en terme de formes, de couleurs, de lumière, de graphisme, etc. ?- par quoi je commence et comment j’élabore mon motif ? – en combien de temps je pense le réaliser ? etc.

Globalement en carnet de voyage ou de terrain, ce questionnement doit tenir compte :

1. - du contexte : tout ce qui n’est pas dans le sujet, mais qui contribue à sa perception, à son interprétation,
2. – du réel exprimé : tout ce qu’on peut appréhender dans le sujet d’un monde absent mais qui m’est donné à voir (le référent).
3. – des choix énonciatifs : ce qui, dans le sujet, dépend pour l’essentiel de l’acte de représentation et non du réel représenté (d’où que garde-t-on, que supprime-t-on ?).
4. – de l’interprétation : c’est-à-dire la manière technique et créative permettant de relier les différents éléments analysés entre eux et avec la subjectivité de la perception pour donner un sens particulier à son motif.

La recherche des bleus et des verts les mieux appropriés faisant partie de cette analyse, je vais, une fois les deux ou trois bleus de ma palette des bleus sélectionnés et rajoutés à ma palette de travail, étudier avec quels jaunes (ou quelles autres couleurs pures) les mélanger pour obtenir sur le papier non seulement les couleurs se rapprochant le plus de la réalité, mais aussi celles aptes à répondre à mon intention créative (à commencer par l’atmosphère que je veux donner à cette aquarelle, aussi rapidement soit-elle réalisée).

Pour cela il n’y a pas « 36 solutions » en phase d’apprentissage, il faut faire ses essais de mélanges – échantillons des couleurs qui nous paraissent les plus correspondre à ce que je veux réaliser sur le même papier que celui de mon carnet de voyage (ou papier définitif d’exécution), voici quelques-uns de ces tests réalisés pour vous :

J’ai choisi comme première base de bleus : turquoise Rembrandt, outremer clair Blockx, indanthrène Rembrandt, bleu d’Anvers Winsor / Newton, bleu Winsor W-N (base ramenée après essai à 3 bleus seulement : turquoise Rembrandt, outremer clair Blockx, indanthrène Rembrandt), comme base de jaunes auréoline W-N et or vert (Winsor / Newton également), et en couleur annexe (pour réaliser le bleu très sombre sous le porche de la source), l’alizarine cramoisie W-N.

Je rappelle que pour traduire un effet de couleurs structurelles toutes ces couleurs doivent être plutôt transparentes intenses, pigments purs ne précipitant pas !

Au premier coup d’œil après séchage, le constat que l’on peut faire est que, même si certaines des nuances obtenues sont très proches les unes des autres dans les verts et verts / turquoises, c’est avec  l’or vert qu’elles paraissent plus nuancées, naturelles et subtiles, c’est donc cette dernière couleur que j’utiliserai pour aller des turquoises aux verts.

Il est également à remarquer si l’on compare le mélange auréoline W-N / bleu outremer clair  Blockx, que ce mélange devient vite sale et très granuleux sur papier à grain (même fin comme le Montval), alors qu’il précipite très peu en restant assez transparent et fluide sur papier satiné ou à grain très fin (donc, bien faire ses tests couleurs avec le même papier que le papier définitif !) :

Ne pas hésiter à comparer les mélanges de plusieurs couleurs proches (ou identiques) provenant de fabricants différents, cela permet de trouver le mélange le mieux adapté au papier de son carnet, exemple pour la couleur de l’eau sous le fond de voûte de la source :

Les couleurs ci-dessus (de l’eau de la source) préalablement préparées sur la palette, sont passées en humide par glacis (dans toute la surface concernée mouillée à l’eau claire) par-dessus les galets et cailloux du fond bien secs (réalisés en un premier temps), pour favoriser leur mélange sur le papier et obtenir les effets de transparence.

Si vous voulez en savoir plus sur la source bleue, sachez qu’elle a été explorée et que son siphon est devenu un « classique » de la plongée souterraine.

Elle conserve cependant encore une grande part de ses mystères et réservera probablement de nouvelles surprises aux futurs explorateurs. Je vous laisse en découvrir ci-dessous une coupe que j’ai dessinée à partir du panneau situé sur l’entrée du site et l’une des nombreuses vidéos de sa plongée qui vous immergera totalement au cœur du bleu de son eau (impressionnant et poétique à la fois !).

Quant au plus célèbre peintre de la région (Courbet), il a peint cette source dans un tableau où je ne vois guère de bleu !

Enfin, pour terminer ce deuxième billet consacré au bleu, je voudrais partager avec vous ce très beau passage du livre de Thierry Lenain, "Loin des yeux près du cœur", 1997, Ed Nathan "Les couleurs pour un aveugle" :

"…ça la troublait que je ne connaisse pas les couleurs. Je lui avais pourtant affirmé que ce n'était pas grave, que ça m'empêchait ni de vivre, ni d'aimer... Elle tenait pourtant à me les apprendre.

Alors il y eut le jaune comme le soleil qui chauffe sur la peau, le vert comme le parfum de l'herbe mouillée le matin, le bleu comme l'océan quand tu es devant. 

"Tu t'es déjà tenu devant l'océan, pour écouter les vagues et sentir le vent sur ton visage ? M’avait-elle demandé. Eh bien le bleu, c'est comme ça."

Et elle le répétait inlassablement: ça, c'est jaune comme le soleil qui chauffe la peau, ça vert comme le parfum de l'herbe mouillée le matin, et ça bleu comme l'océan quand tu es devant.

C'étaient nos couleurs. Les couleurs de notre amour. " …

Pour faire suite à l’article précédent et aller un peu plus loin dans l’usage de ces outils du fabriquant Winsor et Newton, je vous emmène aujourd’hui par la voie des airs dans un charmant petit village, où nous réaliserons très rapidement avec ces fameux outils, deux nouvelles aquarelles de voyage…

C’est la fontaine-lavoir qui en sera le sujet, sous forme d’aquarelle rehaussée puis de croquis aquarellé sur papier mouillé cette fois (deux versions différentes du même sujet avec peinture aux doigts pour le deuxième motif), en explorant davantage les possibilités parmi les plus intéressantes de ces bâtonnets d’aquarelle solide et marqueurs aquarelle Winsor et Newton.

Nous avons vu la semaine dernière dans les Gorges du Tarn sur papier sec (à grain léger  « Paper Touch » Clairefontaine au format A4), combien il était facile avec ces mêmes outils de réaliser le croquis aquarellé d’un vaste et complexe paysage en un temps record.

BÂTONNETS AQUARELLE SOLIDE WINSOR et NEWTON

Je vous rappelle d’abord les essais des bâtonnets aquarelle W-N passées à sec sur le papier avec trois couleurs test (rouge Winsor foncé, nuance jaune de cadmium et bleu Winsor nuance rouge) puis mouillées ensuite (au pinceau à réservoir d’eau Pentel).

Résultat de ce test des bâtonnets aquarelle utilisés en outils graphiques (pour réaliser des traits diluables) :

Nous avions apprécié dans le précédent article de pouvoir dessiner directement et avec une grande liberté en ayant la possibilité de reprendre ultérieurement ce dessin à l’eau pure ou directement à l’aquarelle pour terminer notre sujet en tonalités pastel ou plus vives…

Résultat du test sur Montval 300 g mouillé (grain fin) de ces trois couleurs (rouge Winsor foncé, nuance jaune de cadmium et bleu Winsor nuance rouge) en bâtonnets aquarelle W-N :

1. - sur papier mouillé (couleur en fond sur l’image ci-dessus, qui a largement fusée),
2. – sur travail précédent papier semi-humide (par graphisme réalisé par-dessus puis dilué en partie par atténuation au doigt : à remarquer la quasi absence de cerne au séchage)

Le test sur papier Montval (300 gr grain fin) très mouillé de ces bâtonnets permet de voir la différence de comportement entre les bâtonnets et les marqueurs : les bâtonnets vont se fondre et fuser dans l’eau avec un léger temps de latence, ils pourront directement être étalés aux doigts pour obtenir des effets et mélanges en demi-teinte (attention, bien maîtriser le degré d’humidification du papier pour obtenir les effets souhaités).

LES MARQUEURS AQUARELLE WINSOR et NEWTON

NUANCIER DES MARQEURS AQUARELLE W-N

Il est plus difficile d’obtenir des effets fusants avec les marqueurs sur un papier complétement mouillé, sauf s’ils sont neufs et encore pour un temps très court (si non la couleur ne sort pas car c’est l’eau du papier qui, en imbibant la pointe, empêche la couleur de sortir).

Résultat du test sur Montval 300 g mouillé (grain fin) de ces trois couleurs (Nuance rouge de cadmium, Nuance jaune de cadmium et bleu moyen) en marqueurs aquarelle W-N : sur papier très mouillé la coloration est très faible car les pointes des marqueurs s’imbibent rapidement de l’eau du papier qui bloque l’arrivée de la couleur contenue dans le marqueur.

Résultats plus intéressants sur papier humide à semi – humide (voir deuxième exercice de la vidéo ci-dessus) où la couleur du marqueur se diffuse en partie et peut immédiatement être retravaillée (comme avec les bâtonnets mais en plus fluide) :

Il est à noter pour les randonnées en montagne (avec fort dénivelé dans la journée) d’intéressantes possibilités à l’analyse de mon expérience ici : dans le cas du premier exercice de la vidéo de cet article, mes marqueurs ayant subi la décompression – compression liées à ma prise d’altitude puis retour à la pression normale lors de mon atterrissage (une prise d'altitude de moins de 1500 m suffit pour créer cette différence de pression, mais elle est beaucoup plus importante à partie de 2500 m) se sont mis à fuser largement au contact de l’eau, créant les jolis effets jaunes, rouges et oranges des fleurs. 

Mais il vaut mieux si on veut travailler en humide avec les marqueurs en restant à la même altitude, attendre que le papier soit humide (sans plus) pour avoir un effet légèrement fusant et surtout ne décolorant pas la pointe des marqueurs.

Par contre, humidifier au pinceau ou au doigt les traits des marqueurs passés sur papier sec (de bonne qualité et plutôt satiné) immédiatement après le dessin tant que ces traits sont encore humides, permet d’obtenir des effets très intéressants (Winsor et Newton a d’ailleurs développé 3 blocs papier à spirale spécialement destinés à cet usage concernant ces marqueurs).

Les marqueurs aquarelle en conclusion :
- Outil pour dessiner et peindre à l’eau un peu plus délicat à manier que les bâtonnets, mais pour un usage complémentaire, permet plus de « nervosité » dans ses motifs (le choix entre 2 pointes de forme et taille différente permet une grande latitude de traits),
- Intéressants effets en utilisation à sec puis humidification immédiate (ou peinture à l’aquarelle) sans laisser sécher le marqueur,

- Possibilité de pages créatives en carnet de voyage en utilisant comme support le papier spécial pour marqueurs aquarelle Winsor et Newton,
- Fortement pigmenté et résistant à la lumière,
- Parfait pour une utilisation en atelier, à l'extérieur, ou même en voyage, (mais il vaut mieux privilégier des formats assez grands si on veut bien exploiter le produit et en tirer les plus intéressantes possibilités),
- Toutes les couleurs peuvent être mélangées avec des aquarelles traditionnelles,
- Compatible avec d'autres couleurs, ainsi qu'avec l'ensemble des médiums pour aquarelle Winsor & Newton,
- Marqueurs disponibles en 36 couleurs

Concernant votre matériel et fournitures d'aquarelle, je vous recommande comme principal fournisseur (pensez à commander de ma part) le spécialiste de l'aquarelle (où vous trouverez mon excellente petite boite de voyage "Field Box" Winsor et Newton)  : http://www.aquarelleetpinceaux.com/  

Comme cet article fait partie des nouveaux billets didactiques d’Aquarelle-en-voyage.com, plus orientés "découverte, technique et créativité", je vous demande un peu d'indulgence concernant la fréquence de leur parution : ils demandent énormément de travail ce qui ne me permet pas d'en publier très régulièrement (plus encore la vidéo qui les accompagne), mais si cette série vous plait (voir les précédents) n’hésitez pas à me le dire dans les commentaires ci-dessous (que je validerai avant publication), vos avis et opinions étant très importants si vous voulez que j'en améliore encore le contenu et l’esprit.

- Dites-moi aussi qu'est-ce que vous aimeriez voir dans ce blog, quelles idées auxquelles je n'aurais pas pensées que vous aimeriez y voir développées ?

Enfin, pour terminer (concernant la vidéo de ce billet), je tiens à remercier ici mon camarade Alain B. qui a tourné les prises de vues aériennes de mon arrivée au dessus du petit village où se trouve cette fontaine-lavoir en m’accompagnant en vol (merci aussi à toi Jean-Louis pour tes vues du décollage que je n'ai pas exploitées cette fois-ci) !

Voici donc l’un de mes «cours de terrain» vécu pendant le stage "Ambiances et paysages de neige en Jura Oriental", cours axé sur l’analyse d’un sous-bois enneigé afin d’en tirer un motif synthétique le plus «épuré», simple et expressif possible .

Je rappelle la problématique de ma démarche générale par rapport à l’aquarelle dans le cas qui nous intéresse ici : mettre au service du carnettiste, du peintre voyageur ou de tout aquarelliste de terrain l’outil le plus simple, le plus rapide et le plus efficace possible pour retirer «in situe» des êtres, des choses et des lieux l’esprit même de leur essence .

Il n’est donc pas question dans ce cas d’élaborer des aquarelles sophistiquées ou très séduisantes destinées à être encadrées (bien que certaines d’entre-elles le mériteraient largement), ni demandant un temps d’exécution trop long, ni «savantes» si trop révélatrices d’une réalisation complexe ou extrêmement travaillée .

Il s’agit au contraire d’un «exercice de communion» avec le sujet traité, rapide, incisif, généralement synthétique, enlevé, débouchant sur une connivence de l’instant, sources des plus grandes joies qu’il m’ait été données de connaître en aquarelle.

Nous sommes donc en forêt de Ban sur les hauteurs du Haut Doubs à la frontière franco-Suisse par une très belle journée d’hiver .

La particularité de cette forêt est de mêler des essences très diverses où les feuillus sont largement dominé par des conifères, principalement des sapins .

Le choix du motif est donc essentiel pour échapper à la prédominance massive des sapins lorsqu’ils se sont débarrassés de la neige qui les recouvrait . On peut alors mettre en valeur les teintes fauves des feuillus (petites branches de hêtres près du sol surtout) qui réchauffent l’orée des clairières ou les sous -bois clairsemés jusqu’à la fin de l’hiver .

Nous voici à pied d’œuvre . Face à nous une trouée dans la forêt dégage au milieu des sapins plusieurs sortes de feuillus : troncs élancés des hêtres, masses rousses de petits branchages de feuillus aux branches encore recouvertes de feuilles jaunies, fond pérylène des branchages enchevêtrées où vont apparaître bientôt les premiers bourgeons.

C’est à ce stade qu’il faut bien déterminer parmi les nombreux sujets composant le paysage devant nous, ceux ou celui que nous retiendrons comme le plus intéressant, ou celui qui nous «　parlera　» le plus pour en saisir l’instant .

Une fois ce choix déterminé (il a pu être influencé par la lumière, les masses, les formes, le graphisme dominant, le rapport des couleurs, les différents contrastes, etc.), il faut bien établir le cadrage définitif du motif (où je le commence et où je m’arrête dans l’espace naturel qui est devant moi, quel en est le haut - limite supérieure de mon motif - et le bas, en fait la ligne de terre) .

Voici dans son ensemble le motif que nous avons devant les yeux .

Avant de passer à une synthèse très restreinte démarrons par un exercice qui doit nous affranchir du «représentatif» (copie du réel trop fidèle) : nous réalisons une première aquarelle traduisant globalement ce que nous avons devant nous en déplaçant sur la gauche le tronc du hêtre qui est au premier plan trop centré, trop présent .

Nous conservons seulement de ce qu’il reste le mélange sapins - feuillus qui fait le fond du décor, et les mouvements du sol enneigé avec ses ombres spécifiques . Je rappelle que nous essayons par des exercices appropriés de comprendre quelle liberté nous donne l’analyse du sujet, et d’appliquer une première mise en conditions pour le simplifier, ceci n’est donc qu’un premier exercice .

À présent, recentrons le sujet, déterminons dans le premier cadrage que nous avions choisi un cadrage qui nous donne moins d’informations mais mieux ciblées, nous nous efforcerons dans ce nouveau cadrage de supprimer le tronc central sombre et trop vertical et rapprocherons celui qui est à sa gauche de ton clair, un peu jaunissant au soleil .

Il va falloir aussi simplifier l’enchevêtrement des branchages du fond qui devra disparaître au profit d’un enchaînement feuillus - conifères …

L’analyse rapide du nouveau cadrage, une fois supprimé le tronc central sombre qui n’apporte rien, laisse en évidence le «tronc jaune» que je vais courber un peu car je le trouve trop rigide et l’alternance feuillus - sapins . Je décide aussi de ne pas traiter la ligne trop dure et rectiligne du haut des arbres à l’horizon et donc de laisser très «aérée» la masse sombre des arbres de fond qu’elle coupe à leur sommet,

Pour bien comprendre cette opération de synthèse je regarde mon paysage en le «floutant» à travers mes cils lorsque je plisse les yeux : je vois alors un paysage dans lequel les couleurs se fondent, je n’en garderai de net que ce qui reste net à travers le flou de mon regard : le tronc jaune et quelques branches ou troncs, (j’en supprime beaucoup) des petits bouts de silhouettes sombres des sapins se détachant par contraste de lumière sur des zones plus claires du fond (on ne le voit guère sur la photo, c’était plus «évident» en réalité, j’espère que vous comprendrez même sans démo !) .

Enfin préparation dans la foulée des couleurs et peinture rapide …

Le résultat ici se doit d’être déjà très spontané : pas le temps de dessiner, il faut aller à l’essentiel avec la couleur et l‘eau, jouer du blanc du papier pour suggérer neige et trouées de lumière dans les frondaisons de branchages, dessiner très vite avec le manche du pinceau en semi humide (avant que la feuille ne soit totalement sèche) le graphisme des petits troncs, et peu importe si la forêt parait trop clairsemée, ce n’est encore qu’un exercice, mais il nous a appris l’importance de la rapidité qui garantit la spontanéité !

Cet exercice terminé je vais encore recadrer mon motif pour travailler cette fois verticalement et isoler la partie du fond qui me paraît la plus simple, la plus expressive, mais aussi la plus intéressante dans le rapports «masses - couleurs», et la transformer encore «visuellement» comme je le fais sur les photos ci-dessous en déplaçant ou éliminant les éléments qui me dérangent, en tassant mon cadrage et en l’élargissant en modifiant homothétiquement les éléments qu’il contient sans en ajouter d’autres .

Après avoir élargi et "tassé" le cadrage, supprimé ou déplacé certains éléments, je m'occupe des couleurs . Je les exalte «visuellement» (avant de le faire pour de bon sur le papier) en donnant plus d’importance aux branchages pérylène, mais aussi aux bouts de branches rousses et ensoleillées des rejets de hêtres encore recouverts de feuilles jaunissantes .

C’est par la pratique d’un «regard imaginatif», du motif «flouté　» par plissement des yeux et filtrage des cils, observation et amplification des couleurs dominantes et déplacement ou suppression d’objets que je «visualise» avant même de le peindre mon sujet final, ayant ainsi plus de liberté pour l’interpréter .

Sujet qui avec la pratique sera le seul et unique geste pictural réalisé sur le motif d’un seul jet, immédiatement ou presque après le premier contact, (sans besoin d’exercices préliminaires) lorsque les réflexes de ce rapport au vivant et leur interprétation seront définitivement acquis .

Voilà au final ce que j’aurais dû faire du «premier coup» si je n’avais jugé nécessaire de passer par les étape explicatives et les exercices intermédiaires pourtant si utiles à la compréhension de ce type d’aquarelle de synthèse sur le motif .

On voit en conclusion à quel point un tel travail peut dynamiser d’une formidable façon n’importe quel carnet de voyage aux pages un peu trop formelles, lorsque page après page le descriptif a pris trop de place dans l’équilibre de notre expression !

N’oublions jamais que hors nécessité didactique l’esprit des lieux et la magie de l’instant ne doivent pas se faire absorber par le souci de la représentation …